Михаил ларионов. Михаил Фёдорович Ларионов биография Ларионов михаил федорович картины
В Новой Третьяковке открылась крупнейшая ретроспектива Михаила Ларионова. Работы одного из ведущих представителей русского авангарда рассредоточены по миру, поскольку долгое время он прожил за рубежом. Впервые его ключевые циклы «Венеры» и «Времена года» соберутся в одном месте. «Известия» расскажут, чем они примечательны и какова их роль в истории искусства.
Михаил Ларионов родился в 1881 году в Тирасполе (тогда - город Российской империи), в 10-летнем возрасте с семьей переехал в Москву и поступил в Реальное училище К. П. Воскресенского, а затем - в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Валентина Серова и Исаака Левитана.
Еще будучи студентом, Ларионов стал одним из наиболее активных деятелей московского авангарда, с успехом выставлялся, участвовал во множестве проектов. В 1907 году картину совсем еще молодого художника «Весенний пейзаж» приобрела Третьяковская галерея - настоящее признание! Впрочем, индивидуальный стиль Ларионова тогда еще только формировался, художественные открытия, вписавшие это имя в историю искусства, случились позже - в начале 1910-х. И связаны они были с изображением обнаженной натуры.
От Леды до Олимпии
Вплоть до XIX века было не так много ситуаций, которые позволяли художнику изобразить обнаженную женскую натуру. Полная нагота была связана, как правило, с античной мифологией. Благодаря той свободе, с которой древние греки и римляне описывали приключения своих богов, живописцы могли порадовать и себя, и заказчика фривольными образами. Достаточно вспомнить многочисленные вариации на тему соблазнения Леды Юпитером в образе лебедя, а также практически все сюжеты с Венерой («Рождение Венеры» Боттичелли, «Венера и Адонис» Тициана, «Спящая Венера» Джорджоне и др).
Эскиз картины «Леда и лебедь» художника Леонардо да Винчи
Кстати, «Леда и лебедь» - редкий пример ню у Леонардо да Винчи. Сама картина до нас не дошла, но сохранились эскизы, а также множество копий и подражаний, выполненных учениками мэтра. Позже сюжет с разной степенью откровенности воплощали Микеланджело, Веронезе, Рубенс, Буше, и всегда в этом читался явный эротизм. И все же привязка к мифологии или Библии (Адам и Ева) оставалась непременным условием полной женской наготы.
Картина «Леда и лебедь» художника Питера Пауля Рубенса
Все взорвал Эдуард Мане. Его «Олимпия», написанная в 1863-м и выставленная в 1865 году, произвела грандиозный скандал, хотя, глядя на это вполне реалистическое, изысканное полотно сегодня, нам сложно с ходу понять, что же так шокировало парижскую публику. Действительно, композиция «Олимпии» во многом повторяет «Венеру Урбинскую» Тициана, включая позу и «открытость» лежащей прелестницы. Но в том-то и было новаторство, что Мане не «прятался» за Овидия и Гомера. Более того, его героиня - куртизанка. И ее прямой, дерзкий взгляд на зрителя воспринимается иначе, нежели чуть застенчивая полуулыбка Венеры, - как вызов женщины, осознающей свою сексуальность и использующей ее.
Картина «Олимпия» художника Эдуарда Мане
В последней трети XIX и начале XX века женские ню стали бесконечно разнообразными. Так, у Зинаиды Серебряковой это лишенное прямого сексуального подтекста изображение крестьянских девок, для которых нагота - естественна («Баня»). А у Густава Климта - воплощение изломанной чувственности модерна («Змеи», «Обнаженная истина»). Широко известна его же графика - в ней художник, не скованный общественными приличиями, зачастую балансировал на грани между эротикой и порнографией.
Картина «Водяные змеи II» художника Густава Климта
Однако у Климта же наметилась другая тенденция, которая и станет доминирующей во втором десятилетии XX века: рисовать женское тело не прекрасным, а отталкивающим; сознательно нарушать каноны красоты. Теперь ню - не просто услада для мужских глаз и тайное потворство инстинктам, а выражение душевного состояния - даже не модели, а живописца и всей эпохи. Именно в творчестве Климта и, в большей степени, его младшего товарища Эгона Шиле сформировался экспрессионизм - художественный ответ на мрачные предчувствия грядущего апокалипсиса и ужасы Первой мировой войны.
Картина «Эгон Шиле и обнаженная модель перед зеркалом» художника Эгона Шиле
Самые откровенные акварели австрийского гения - не возбуждающие, а пугающие угловатой диссонантностью поз, неестественностью цветовой и анатомической. Параллельно с Шиле экспериментировал и Пикассо: в «Авиньонских девицах» (оригинальное название - «Философский бордель») он, как и Мане, изобразил дам полусвета, но исказил лица и нагие фигуры, превратив их в геометрические конструкции. Так родился кубизм.
Картина «Авиньонские девицы» художника Пабло Пикассо
В общем, к началу 1910-х годов обнаженную женщину можно было изображать в каком угодно контексте - сюжетном, стилевом, эмоциональном. Конечно, эксперименты всё равно вызывали скандалы - например, как только не упражнялись критики после показа портрета Иды Рубинштейн кисти Валентина Серова. Отмечали неестественную худобу танцовщицы, трупный оттенок ее кожи… И всё же было чувство, что теперь уже допустимо если не всё, то почти всё.
Новый миф
На этой богатой, эстетически разнообразной почве и появились ню Ларионова. За 1912 год он создал ряд полотен с изображением обнаженных женщин, и большинство из них получили название со словом «Венера»: «Солдатская Венера», «Еврейская Венера», «Кацапская Венера», «Венера» (также известна по надписям «Венера Михаил»). Кроме того, сохранился карандашный эскиз еще одной картины, которая так и не была написана, - «Венера негритянская».
Картины «Кацапская Венера» художника Михаила Ларионова (слева) и «Венера Урбинская» художника Тициана
В своих «Венерах» Ларионов, конечно, вступает в диалог с Тицианом и Джорджоне. Героини лежат на кровати, опираясь на высокие подушки, их взгляд направлен либо на зрителя, либо немного вбок, но ни тени стыдливости у них нет. Напротив, листок, закрывающий лоно еврейской Венеры, выглядит издевкой над традицией изображения Евы. Пародией на ренессансный мифологизм читаются и сами названия, поскольку ничего божественного и даже просто возвышенного у ларионовских дам не заметно.
Но вместе с тем, если Серов и Климт, Шиле и Пикассо сознательно очищали женскую наготу от естественной притягательности, Ларионов, наоборот, возвращает моделям эротизм, воспевает сочные формы своих «венер», поданные с залихватским жизнелюбием. Это не эстетское экспериментаторство богемы, а грубоватое, утрированное воплощение солдатской, мещанской мечты.
Картина «Солдатская Венера» художника Михаила Ларионова
Если до XIX столетия художники воспевали возвышенную красоту тела, во второй половине века эмансипировали сексуальность, а в начале XX и сексуальность, и красоту наготы было решено «отменить», то в 1910-х годах Ларионов снова дарует обнаженной женщине сексуальность, но не привязывает ее к идеальным стандартам красоты. На фоне современных дискуссий о «боди-позитивизме» этот подход выглядит особенно актуальным.
Особняком в этом ряду стоит «Венера» («Венера Михаил»). Хотя полотно и примыкает к той же серии - как сюжетно, так и хронологически, однако оно открывает новые горизонты, причем не только в искусстве Ларионова, но и в мировой живописи. Эта «Венера» близка персонажам ларионовского цикла «Времена года». Анатомическое подобие, которое было в других «Венерах», здесь сменяется символическим образом, нарочито наивным и оторванным от реальности.
Картина «Венера» художника Михаила Ларионова
Элементы пародии на Венер прошлого остаются (причем можно усмотреть здесь и иронию над собственными «национальными» Венерами), но любые связи с анатомией исчезают окончательно: трехмерность (пусть даже «неправильная») сменяется двухмерностью, а все фигуры выглядят будто детскими рисунками. Вкупе с радостно-желтым фоном и общим светлым колоритом это сообщает картине какой-то фантастический солнечный оптимизм.
В работе «Венера» появляется еще один важнейший элемент: текст. Помимо изображения фигур и фона, здесь присутствует надпись - такая же нарочито корявая, детская: «Венера Михаил». Сложно поверить, но Ларионов, пожалуй, первый художник, который стал использовать текст как визуальный и концептуальный элемент картины.
Более полувека спустя текст поверх изображения (или даже вместо него) станет одним из главных художественных приемов родоначальника московского концептуализма Ильи Кабакова. И есть несомненный символизм в том, что Третьяковка проводит ретроспективу Кабакова «В будущее возьмут не всех» параллельно с выставкой Ларионова.
Впрочем, на картине «Венера» текстовый элемент фигурирует, скорее, декоративно и не несет концептуальной или формообразующей нагрузки. Иное дело - цикл «Времена года», созданный в том же 1912-м.
Серия «Времена года (новый примитив). Осень» художника Михаила Ларионова. 1912
Четыре разноформатных полотна символизируют четыре времени года. Каждая композиция разделена на столько же неравных прямоугольников, внутри трех из которых - плоские двухмерные изображения, а четвертый отдан под текст.
«Осень счастливая блестящая как золото с зрелым виноградом с хмельным вином» - гласит одна из них. «Весна ясная прекрасная с яркими цветами с белыми облаками» - значится на другой... Лубочность текста подчеркнута его написанием - без знаков препинания, с «неправильными» переносами и будто бы случайными цветовыми акцентами.
Серия «Времена года (новый примитив). Зима» художника Михаила Ларионова. 1912
Та же нарочитая наивность характерна и для центральных фигур каждого полотна: это обнаженные дамы в окружении ангелочков, птиц и деревьев. Впрочем, их нагота - совершенно условна. От ню эротического Ларионов приходит к ню символическому, от мужского взгляда на модель (пусть даже и с оттенком карикатурности) к взгляду детскому.
Усиливает ощущение инфантильности изображений почти однотонный фон: светло-оранжевый в «Весне», коричневый в «Зиме», синий в «Осени» и фиолетово-черный в «Лете».
Фото: Государственная Третьяковская галерея
Серия «Времена года (новый примитив). Весна» художника Михаила Ларионова. 1912
И вот что интересно: если во второй половине XIX века изобразительное искусство освободилось от оков мифа, прежде незыблемых, по крайней мере, в отношении ню, то в XX столетии Ларионов снова возвращается к первоосновам - не только европейским (Венеры), но и русским: «Времена года» отсылают к нашему язычеству, а отнюдь не греко-римскому. Уместно провести параллель с «Весной священной» - знаменитым балетом дягилевских «Русских сезонов», музыка которого была написана Игорем Стравинским в том же 1912 году.
Красавицы и спутницы жизни
За свою жизнь и даже за относительно недолгий русский период Михаил Ларионов сменил множество стилей, манер письма. Что, в общем-то, было обычным явлением для авангарда. Но необычно другое: во всех экспериментах он сохранял светлый, удивительно оптимистичный, подчас даже праздничный взгляд на мир. Идиллия «Времен года», задорный эротизм «Венер», лучезарные квази-абстракции, для которых Ларионов придумал свой термин - «лучизм»...
Во всем, что делал Ларионов, чувствуется гармония с собой и с миром. И, наверное, не в последнюю очередь это следствие его счастливой семейной жизни. Наталья Гончарова, а не абстрактные венеры, была главной его красавицей и вдохновительницей. Ее он изображал неоднократно, и некоторые из портретов можно будет увидеть на выставке Третьяковки.
Союз Ларионова и Гончаровой вообще уникален, причем по многим параметрам. Во-первых, в артистической среде такие долгие и крепкие браки - в принципе редкость. Во-вторых, это отношения не художника и музы (как, например, у Дали и Галы), а двух равновеликих творческих личностей; без них обоих история авангарда немыслима. И в-третьих, несмотря на стабильность их союза, сам его формат был далек от традиционного. И дело вовсе не в том, что вплоть до 1955 года они не были ни венчаны, ни расписаны.
Н. С. Гончарова и М. Ф. Ларионов в мастерских Большого театра во время работы над декорациями к «Золотому петушку». Фотография. 1914, Москва
Обосновавшись в Париже, супруги дали друг другу нетипичную свободу: начиная с 1920-х годов Ларионов нашел постоянную спутницу жизни и новую модель - библиотекаршу Александру Томилину, которая жила в том же доме, что и он с Гончаровой. В свою очередь, в жизни Гончаровой появился издатель Орест Розенфельд. Нередко они отдыхали вчетвером; в письмах друг другу Ларионов и Гончарова передавали приветы Оре и Шурочке. И Розенфельд, и Томилина поддерживали художников: первый - заказами от издательства, вторая - уходом и помощью по хозяйству. Гончарова, не умевшая готовить, шутила, что, если в доме есть несколько женщин, старшая из них может ничего не делать. И отмечала, что ревновать им друг к другу не стоит.
Фото: Отдел рукописей Государственной Третьяковской галереи
Н. С. Гончарова и М. Ф. Ларионов. Фотография. [Начало 1950-х, Лондон]
Во время Второй мировой войны Розенфельд попал в концлагерь, Гончарова предпринимала отчаянные усилия для его вызволения. И хотя ее труды оказались напрасны, он чудом остался жив, но после 1945 года уехал и женился на другой женщине. Томилина же прожила с Ларионовым и Гончаровой вплоть до смерти последней, после чего стала законной супругой пожилого мэтра. Правда, практического смысла в этом браке было больше, чем романтического: тяжело больной художник чувствовал, что скоро и он уйдет в мир иной, а о его и Гончаровой живописном наследии и огромном архиве сможет позаботиться только Томилина.
И действительно, всю дальнейшую жизнь после смерти Ларионова она посвятила выполнению последней воли мужа: передать то, что осталось от художников, на их родину. Она же организовала единственную советскую выставку Ларионова - в 1980 году экспозиция была показана в Русском музее, а затем - в Третьяковской галерее. Теперь же Ларионов возвращается к нам во всей полноте своего радостного гения.
Михаил Ларионов - один из крупнейших живописцев ХХ века. Его творчество сопоставимо с творчеством таких выдающихся российских художников, как Малевич, Кандинский, Татлин, определивших величину и своеобразие художественного вклада России в мировую культуру.
Сегодня произведения Ларионова хранятся в крупнейших собраниях мира, а также в частных коллекциях.
Судьба Михаила Федоровича Ларионова печальна, ибо пала она на трагическую пору отечественной нашей истории. Он разделил горькую участь многих, очень многих своих сверстников, волею событий оказавшихся далеко от земли, и х вскормившей.
Рождение, детство, учение, первые успехи и стремительный в зл е т новаторского, «бунтарского» творчества — все это вместилось в тридцать восемь «русских» лет художника, а сорок пять оставшихся — под чужим небом. Европейской славе «русского парижанина » на родине социалистического реализма м еста, как известно, быть не могло, разве что в немой памяти тех, кто не хотел и в опреки всему не мог отказаться от баснословного прошлого русского искусства. Таких, впрочем, было немного и с каждым годом все меньше…
Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Москва. 1913
Михаил Фёдорович Ларионов родился в семье военного фельдшера. В провинциальном Тирасполе прошли его детск ие годы. В 1898 г. он поступил в МУЖВЗ, где учился у Коровина и Серова. В училище Ларионов познакомился с Натальей Гончаровой, ставшей его верной соратницей.
Фруктовая лавка. 1904
На годы учебы приходится ранний, импрессионистический период творчества Ларионова. В унаследованной от французских художников манере создавал он целые живописные серии.
Акация весной. 1904
Голубое небо в верхушках акаций пронизано серебристым мерцанием весенних ветвей; удивительно прозрачны и нежны касания верхушек деревьев с небом. Короткие удары, «тычки» кистью создают живописно-тональную вибрацию фона. Кажется, небо живет, пульсирует, дышит…
Сад. 1904
Нерв ларионовского импрессионизма — обостренная цветопись, а не яркая светопись. Художник достигает необычной напряженности цвета. Нарушая все живописные каноны, он сталкивает контрастные и близкие цвета — красный, зеленый, розовый, лиловый, приводя их к неожиданным гармониям. Это поистине отважная живопись, открывающая новые цветовые сочетания. Такой «живописный риск» мог позволить себе только художник с безошибочным чувством цвета.
Один майский день. 1904
«Один майский день» - часть комнатной обстановки и окно с пробивающейся на деревьях зеленью, написан Ларионовым в стиле позднего импрессионизма в пору ученичества у Левитана и Серова в Московском училище живописи .
Особенностью ларионовского импрессионизма является необычайное богатство живописных фактур. Как бы из цветовых зерен, соседствующих друг с другом, складывается структура его живописи, мерцающая переливами драгоценных камней. Вспоминаются полотна и акварели Врубеля, вызывающие те же ассоциации. Молодой живописец был внимателен к творчеству старшего собрата (они былизнакомы). Как и у Врубеля, краска в холстах Михаила Ларионова не ложится на готовую форму, напротив, сама форма и пространственные отношения рождаются из красочных образований и цветных фактур.
Сирень 1904
Эти произведения пользовались успехом на выставках Общества русских акварелистов, СРХ, "Мира искусства", на русской экспозиции Осеннего Салона 1906 в Париже.
В 1910-х Ларионов проявил себя как блестящий организатор: он возглавил группу молодых московских художников.
Портрет поэта Велимира Хлебникова. 1910
Примитивизм Михаила Ларионова находил источники вдохновения даже в заборных рисунках и надписях. В 1913 он подготовил выставку лубка, которая включала восточные и европейские народные картинки, вывески, печатные пряники, многие были из коллекции Ларионова. В этом же году была организована его выставка иконописных подлинников и лубков.
С 1912 Ларионов много занимался графикой: исполнил серию литографированных открыток, повторявших его живописные произведения; создал иллюстрации для сборников поэтов-футуристов Крученых, Хлебникова, Большакова. Изданные крошечными тиражами, эти книги представляют теперь огромную ценность.
Михаил Фёдорович принимал активное участие в художественных диспутах, получивших распространение в ту пору. В частности, в 1913 состоялся диспут на тему "Восток, национальность и Запад", предшествовавший открытию выставки "Мишень". На нем Ларионов и его группа четко обозначили свою "восточную" ориентацию.
На выставке "Мишень", где демонстрировались также произведения художников-самоучек и детские рисунки, Ларионов представил работы из незавершенного цикла "Венеры" и четыре холста "Времена года" (1912), которые были расценены критиками как вызов. В них использованы язык детского рисунка и архаическая символика, дополненная незатейливым текстом.
"Мишень" стала высшей точкой развит ия художественных идей Ларионова. Диспут "Мишени" уже включал доклад о лучизме, а на выставке экспонировались лучистские картины: "Петух и курица", "Лучистая скумбрия и колбаса" и др. Лучистские произведения Ларионов показывал и на последующих выставках - "14. Футуристы, лучисты, примитив" (1914), "1915 год".
По мысли Ларионова лучизм должен был оторвать живопись от предметности, превратить ее в самоценное и самодовлеющее искусство цвета. Основные положения теории лучизма, достаточно наивной, сводятся к тому, что мы не видим самих предметов, а воспринимаем пучки лучей, исходящие от них, которые в картине изображаются цветной линией. Но практика лучизма оказалась гораздо интереснее и плодотворнее его теории.
Петух и курица. 1912
В том же 1913 Ларионов публикует брошюру "Лучизм", манифест "Лучисты и будущники", в которых формулирует теорию нового течения: "Стиль лучистой живописи имеет в виду пространственные формы, возникающие от пересечения отраженных лучей различных предметов. Луч условно изображается на плоскости цветной линией". В лучизме Ларионова заложены начала абстрактного искусства.
В парижской галерее Поля Гийома состоялась выставка его работ (совместно с Гончаровой), принесшая Ларионову европейскую известность. Он знакомится с Пикассо и,другими парижскими мастерами, о нем пишет статьи Гийом Аполлинер. Но война прерывает европейское турне художника. Как офицер запаса, подлежащий мобилизации, Ларионов возвращается в Москву и вскоре попадает на фронт в армию Ренненкампфа, сражавшуюся в Восточной Пруссии. Здесь он был тяжело контужен: «Чуть не без ног, контуженный, лежит дорогой Ларионов»,— писал Маяковский.
После выхода из госпиталя в 1915 художник вновь отправляется к Дягилеву, путешествует с труппой по Швейцарии, Испании, Италии, работает над эскизами декораций и костюмов для балетов.
Революция застает Ларионова во Франции. Он живо интересуется тем, что происходит в России, и никогда не теряет связи с Родиной. В 1920 году Ларионов иллюстрирует поэму Блока «Двенадцать», вышедшую отдельными изданиями в Париже и Лондоне. В ноябре 1922 в Париже побывал Маяковский, всегда высоко ценивший живопись Ларионова. В очерке «Семидневный смотр Парижской живописи» он рассказал о своих встречах с русскими художниками. Как результат этих встреч, в 1923 в издательстве «Круг» выходит поэма Маяковского «Солнце» с иллюстрациями Ларионова.
В 1919 Ларионов и Гончарова поселились в Париже на улице Жака Калло, где прожили до конца своих дней. В 1920-х он становится художественным советником Дягилева, который под его влиянием приглашает к сотрудничеству художников-модернистов.
Дягилев и Лифарь на репетиции. 1927.
Двадцатые годы прошли в работе над дягилевскими балетами. Ларионов создает эскизы костюмов и декораций для балетов на музыку Прокофьева «Шут» (1921) и Стравинского «Байка про лису» (1922). Остро переживая отрыв от родной ему стихии русской жизни, художник возвращается к излюбленным мотивам своего творчества. Так возникает альбом «Путешествие в Турцию», исполненный гуашью с использованием трафарета и шелкографии.
Дягилев работает над рукописью. 1929.
Поздние живописные работы Ларионова — охристо-серебристые натюрморты, этюды обнаженных натурщиц, хрупких и как бы бестелесных, говорят о том, что художник продолжает владеть утонченной живописной культурой. Но что-то невозвратно ушло из этих работ.
В последние годы жизни Михаил Фёдорович Ларионов много времени уделял литературному труду - писал воспоминания, статьи о русском искусстве.
Творческий взлет Ларионова, продолжавшийся до предвоенных лет, оставил неизгладимый след в русском иcкусстве 20 века. Многие художники начала века, искавшие новых путей в живописи, испытали на себе сильное воздействие искусства Ларионова, оно ощутимо в работах Гончаровой, Шевченко, Бурлюка и других. Следы ларионовского влияния заметны и в раннем творчестве Малевича и Татлина.
http://babanata.ru/?p=9208
В творчестве Михаила Ларионова было несколько ярких этапов. Он начинал свой путь как художник-импрессионист, позже увлекался примитивистским и народным искусством, а затем создал новое авангардистское направление в живописи - лучизм. Валентин Серов называл Ларионова «самым скандально-спорным и самым талантливым живописцем своего поколения».
Импрессионист-бунтарь
Михаил Ларионов родился в 1881 году в Тирасполе - городе в Херсонской губернии. Его отец был военным фельдшером. В 1891 году семья переехала в Москву , где Ларионов спустя семь лет начал обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.
В те годы Ларионова увлекали популярные течения европейской живописи, особенно импрессионизм . Летом он возвращался в родной город. Здесь молодой художник часто писал с натуры, особенно любил он виды сада в родительском доме. Именно в Тирасполе Ларионов создал свои лучшие импрессионистические произведения, например «Розовый куст после дождя» и «Акации весной». На полотне «Розовый куст после дождя» Ларионов мазками стремился передать поток солнечных лучей, их блеск на мокрых от дождя цветах. Художественный критик Николай Пунин писал об импрессионистических работах Ларионова: «Первое, что обращает на себя внимания... это отношение его к поверхности холста. Ни один из русских «импрессионистов» тех годов не осознавал в такой полноте, как Ларионов, единства живописной поверхности» .
Михаил Ларионов. Акации весной (фрагмент). 1904. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Михаил Ларионов. Розовый куст после дождя (фрагмент). 1904. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Михаил Ларионов. Волы на отдыхе (фрагмент). 1906. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В училище Михаил Ларионов зарекомендовал себя как смелый реформатор. Он часто противоречил начальству, пренебрегал установленными нормами, дисциплина и жесткие рамки его тяготили. Его даже отчислили из-за конфликта с преподавателями. Как писал искусствовед Глеб Поспелов, Ларионов вместе с группой студентов протестовал против того, что «самая терпимая московская школа облекается в казенный мундир» . Однако позже его восстановили в учебе, и в 1910 году он получил диплом. В училище Ларионов познакомился с художницей Наталией Гончаровой, которая стала его спутницей жизни, другом и коллегой.
Примитивизм и полотна солдатской серии
В 1910 году Михаил Ларионов стал одним из организаторов скандальной выставки представителей раннего авангарда «Бубновый валет» . Но художник достаточно быстро отделился от этой группы и организовал собственную выставку с еще более эпатажным названием - «Ослиный хвост». В этот период Ларионов интересовался примитивизмом: художники этого направления сознательно упрощали свои картины, обращались к детским рисункам, первобытному или средневековому творчеству. Участники объединения «Ослиный хвост» особенно вдохновлялись народным искусством: лубочными картинками, промыслами, лаконичными вывесками городских лавок и кафе.
Сергей Бобров, русский поэт, художник, футурист. Выдержка из книги «Основы новой русской живописи» 1911 года
В 1907–1912 годах Ларионов писал картины на темы провинции и солдатской жизни. Черты примитивизма проявлялись в нарочитом упрощении сюжетов, нарушении пропорций, ярких красках. Однако, несмотря на стиль, полотна не были лишены авторской идеи: в наивных на первый взгляд сценах из повседневной жизни часто бывало скрыто «двойное дно». Например, на картине «Офицерский парикмахер» живописец изобразил самодовольного офицера и услужливого парикмахера, который напоминает официанта. Над головой клиента - маленького и безвольного - нависли огромные ножницы.
Михаил Ларионов. Парикмахер. 1907. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Михаил Ларионов. Отдыхающий солдат. 1911. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Михаил Ларионов. Офицерский парикмахер. 1909. Галерея Альбертина, Вена
В полотне «Отдыхающий солдат» воплотилась вся примитивистская концепция Ларионова. Когда художник работал над полотном, он часто ездил на лагерные сборы и наблюдал, какие надписи или рисунки делают в свободную минуту солдаты на заборах и стенах. В картине Ларионов нарушает все неписаные правила живописи тех лет: его персонаж лежит в неестественной позе с «изломанными» ногами; среда, в которой он находится, лишена искусственной эстетики, украшательства, изображена во всей ее обыденности, а сама картина написана крупными грубыми мазками без проработки мелких деталей.
С солдатскими сюжетами в искусство Ларионова входила уже не только провинциальная улица, как это было в вещах предыдущих лет, но вся низовая и грубая стихия российской социальной жизни. «Солдатские темы» все весомей внедрялись тогда в действительность предреволюционной России… Такие мотивы могли задеть и ошарашить зрителя уже одной непосредственной связью с живой повседневностью.
Глеб Поспелов, искусствовед
Лучизм и декорации к Русским сезонам
Третий период в творчестве художника связан с разработанной им теорией лучизма. В ранних полотнах этого этапа еще присутствовали очертания предметов - их словно образовывали лучи, которые отражались от разных объектов, - а позже Ларионов стал создавать абстрактные работы. В них господствовало стихийное начало и игра острых цветовых полос, которые пересекались, сплетались, расходились в разные стороны и вновь сбивались в пучки, рождая яркие фантазийные картины.
То, что ценно для всякого любителя живописи, в лучистой картине выделяется наивысшим образом - те предметы, которые мы видим в жизни, не играют никакой роли (исключая реалистический лучизм, где предмет служит точкой отправления), то же, что является сущностью самой живописи, здесь лучше всего может быть выявлено - комбинация цвета, его насыщенность, фактура; на всем этом, кто интересуется живописью, может сосредоточиться всецело…
Михаил Ларионов
Во время Первой мировой войны Михаила Ларионова призвали на службу. После полученного ранения в 1915 году он поселился во Франции, где и прожил всю оставшуюся жизнь.
Сергея Дягилева . Это была настоящая визитная карточка антрепризы. Балеты были известны своим оформлением - изысканными авангардными костюмами и декором. После смерти Сергея Дягилева в 1929 году Ларионов стал меньше заниматься живописью. У него появилось новое увлечение: он собирал произведения искусства для состоятельных клиентов. А сам по-прежнему увлекался русским лубком и коллекционировал китайскую графику. В живописи он вернулся к предметному искусству и эстетике импрессионизма и примитивизма: писал уличные сценки и натюрморты.
В 1955 году Михаил Ларионов и Наталия Гончарова официально стали мужем и женой . Однако спустя семь лет художницы не стало. Ларионов вскоре женился на Александре Томилиной, своей старой знакомой, служащей одной из французских библиотек. После его смерти в 1964 году Томилина проводила выставки Ларионова и Гончаровой в Европе и Америке и организовала первую после их эмиграции экспозицию в Москве в 1980 году. Она унаследовала парижские полотна и архив Ларионова и Гончаровой и в 1989 году подарила их Третьяковской галерее , как того хотели художники.
Михаи́л Фёдорович Ларио́нов (22 мая (3 июня) 1881 года, Тирасполь, Херсонская губерния, Российская империя - 10 мая 1964 года, Фонтене-о-Роз) - русский художник, живописец, график, сценограф, теоретик искусства, один из основоположников русского авангарда.
Родился в Херсонской губернии, в уездном городе Тирасполе. Сын военного фельдшера, детство провёл на юге России в Тирасполе, куда затем часто возвращался на летние этюды.
В 1891 году Ларионовы приехали в Москву, и Михаил поступил в реальное училище Воскресенского.
В 1898-1910 - учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Валентина Серова и Исаака Левитана . Там же познакомился с Натальей Гончаровой , ставшей не только его спутницей жизни (официально брак был зарегистрирован только в 1955 году), но и единомышленницей в творчестве.
С начала 1900-х годов Ларионов активно участвовал в художественной жизни, выставляясь не только в России, но и в Европе. Большое влияние на Ларионова оказали французские живописцы, с творчеством которых впервые он познакомился в московском собрании Сергея Щукина.
В 1902-1906 годах работал в стиле позднего импрессионизма («Куст сирени в цвету»).
В 1906 году по приглашению Сергея Дягилева участвовал в русской секции парижского Осеннего салона.
В 1907 году, испытывая воздействие фовизма и наивного искусства, обратился к примитивистской манере , создавая запоминающиеся полотна, отличающиеся сочным цветом, резкими линиями и острыми сценами («Отдыхающий солдат», «Весна»).
К 1912 году создал новую художественную концепцию - лучизм , один из первых примеров абстрактного искусства в разряде так называемого «беспредметного творчества», где формы образовывались в результате пересечения лучей, отражённых от различных предметов.
В 1914 году, после начала Первой мировой войны, был призван на военную службу. Комиссовавшись по ранению, Ларионов поселился в Париже, где в 1915-1929 годах вместе с Гончаровой работал для Дягилева, создавая костюмы и декорации к постановкам его «Русских балетов». В живописи он вернулся к ранней, фигуративной, манере, камерному жанру и натюрморту. Из-за разразившейся Октябрьской революции в Россию больше не вернулся.
В 1955 году официально зарегистрировал свой брак с Натальей Гончаровой. После её смерти в 1962 году, женился на А. К. Томилиной, которая стала официальной наследницей художника.
Умер в парижском пригороде Фонтене-о-Роз в 1964 году. Похоронен на кладбище в Иври-сюр-Сен.
В Тирасполе есть улица, названная по фамилии художника.
Вместе с Натальей Гончаровой Ларионов был активным участником «левого направления» в искусстве, он инициировал серию громких выставок:
В 1980 году в Москве состоялась персональная выставка художника. В 1989 году картины Ларионова были переданы А. К. Томилиной-Ларионовой в дар Третьяковской галерее.
Активно работал с издательствами, в 1910-е годы исполнил иллюстрации к изданиям поэтов-футуристов («Помада» Кручёных, издано в 1912).
1913 «Драма в кабаре футуристов № 13». Премьера состоялась в январе 1914 года, уже после распада группы «Ослиный хвост».
6 декабря 2016 года «Марка Приднестровья» презентовала выпуск, посвященный художнику и одному из основоположников русского авангарда Михаилу Ларионову.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Михаил Федорович Ларионов — великий русский художник, один из главных основоположников русского авангарда. Родился в 1881 году в Тирасполе. Его влияние на становление авангардного течения в нашей стране сложно переоценить. Тот вклад, что он сумел внести своим трудом, талантом и даже гениальностью, явился одной из основных звеньев цепи, которая подняла русское авангардное искусство до мирового уровня.
Михаил Ларионов проходил обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. А. Серова, И. И. Левитана. В училище он познакомился с русской художницей авангардистской . Наталья Гончарова также стала одной из значительных фигур в русской живописи. Впоследствии Ларионов и Гончарова так сильно сблизились, что стали спутниками жизни, а в 1955 году официально зарегистрировали свои отношения в ЗАГСе.
М.Ф.Ларионов писал в стиле позднего импрессионизма, фовизма, примитивизма . Однако знаменит на весь мир он стал благодаря разработке нового стиля в живописи. Он впервые создал пример беспредметного искусства, который был назван — лучизм . Это форма абстрактного творчества, в котором формы образуются в результате пересечения и взаимодействия лучей.
Ларионов Михаил Фёдорович был участником таких художественных групп и объединений, как: , Ослиный хвост, Мишень. Умер в пригороде Парижа Фонтене-о-Роз в 1964 году.
Хотите сделать свой домашний аквариум по-настоящему красивым и даже живописным? На сайте Rakushki вы найдёте кораллы для аквариума самых разных форм и расцветок. Большой выбор кораллов, раковин, ракушек и морских звёзд.
Автопортрет
Венера и Михаил
Девушка у парикмахера
Женская голова и птичка с веткой в клюве
Кукольный театр
Курящий солдат
Лучистый пейзаж
Натюрморт с лимоном и яйцом
Отдыхающий солдат
